интервью
Илья Цветков
О музыке в голове и ее реализации, обучении в Институте и перспективах
Что для тебя музыка?

— Музыка для меня — это жизнь. Я не могу без музыки. Она постоянно играет
в голове. Постоянно возникают мелодии, идеи, мысли. Когда я чувствую, что они могут превратиться во что-то интересное, я быстро запускаю Ableton и делаю набросок.
Я могу просидеть несколько часов кряду только над одним звуком. В этом есть что–то медитативное. В процессе работы со звуком я получаю удовольствие, а это самое главное.
В каких жанрах ты предпочитаешь работать?

— Вообще, я не люблю ограничивать себя какими–то жанрами и стараюсь писать совершенно разную музыку, даже если не умею. Мне всегда интересно учиться. Не умел писать хип–хоп — научился. Даже выпустил небольшой хип–хоп-альбомчик.

Один стиль влияет на другой. Например, делая хаус-музыку, я использую элементы из драм-н-бэйса. Нужно слушать много музыки. Это влияет на широту взгляда, что очень важно. И, соответственно, влияет на разнообразие собственной музыки. Чем больше знаешь, тем больше можешь применить в своей работе. Музыка становится интереснее, разнообразнее, необычнее . Что и выделяет именно тебя среди конкурентов.
«За несколько щелчков я могу перебрать пресеты и выбрать те, которые звучат, чтобы побыстрее записать идею».
Ты перфекционист, который сводит один трек по месяцу и доводит каждый звук до идеального звучания, или ты работаешь быстро, чтобы успеть запечатлеть эмоцию?

— Я использую оба подхода. Могу быстро свести композицию, а могу оттачивать ее звучание в течение долгого периода. Мой опыт позволяет мне на этапе написания произведения сразу же использовать хорошие «сырые звуки», которые между собой будут сочетаться. За несколько щелчков я могу перебрать пресеты и выбрать те, которые звучат, чтобы побыстрее записать идею.

У меня часто бывает слишком много прикольных идей для композиции. Некоторые приходится откладывать и использовать в других треках. У меня такой подход: мастеринг начинается во время подбора звука. Но для этого нужен опыт.
— При написании, сведении, мастеринге трека, есть ли у тебя свод правил?

— Сведение и мастеринг от трека к треку немного отличаются. Есть одинаковые вещи, но невозможно применить один пресет мастеринга ко всему. Зная нюансы, можно понять, как что сделать.
— Начинается ли сведение трека с написания?

— И мастеринг и сведение начинаются во время написания музыки. Любой пресет, любая бочка или мелодия, любой инструмент — уже сведение. Если вы работаете с бэндом, можно настроить инструмент, его звучание.

Если идет работа с уже записанным треком, тогда, да, нужно сводить. Но когда мы пишем музыку с нуля, у нас море возможностей, почему бы сразу не начать сводить? Сразу выбрать для лидирующего инструмента классный звук, хорошую бочку? Буквально несколькими штрихами можно добиться хорошего звучания на начальном этапе. Я за тот подход, когда у тебя сразу получается хорошая композиция, которую потом можно быстро и легко довести до ума. Время — самый ценный ресурс.
Что такое T-shape, и как это помогает в создании музыкальных произведений?

— T–shape experience — это подход к образованию, который проводит параллель с буквой «Т». По горизонтали много областей, в которых ты немного разбираешься, а по вертикали та область, в которой ты разбираешься больше. После этого возник еще один вид опыта и знаний — П–shape, то есть две области, в которых ты хорошо разбираешься.
Потом возник comb-shaped experience, что на русский переводится как «расческа». Это когда у тебя много областей, в которых ты отлично разбираешься. Это мой вариант. У меня ушли десятки лет на то, чтобы разобраться во всем, зато это очень хорошо проявляет себя. Например, когда я пишу музыку для видео, я знаю, как работает весь цикл производства ролика, и поэтому лучше взаимодействую с людьми смежных профессий.
Как заканчивать треки?

— Это очень частый вопрос. На самом деле нужно просто сказать композицией всё, что хочешь, и остановиться. Если прямо сейчас не знаешь, что с этим делать — отложи на недельку. Послушай спустя время. Желательно, с листочком бумаги и ручкой, чтобы сразу записать идеи. Я всегда так делаю и это работает. Не стоит торопиться.
— Самый частый вопрос сведения ритм-секции: бас и бочка, как ты с ними совладаешь? От чего это зависит?

— Бас и бочку, на самом деле, свести не так сложно. Есть несколько способов, как их подружить, чтобы они работали вместе, как часы.
Естественно, я рассказываю об этом на лекциях и для студентов это перестает быть проблемой. После окончания обучения все студенты удивляются насколько проще это становится делать. Их треки становятся плотнее, круто звучат. Они могут контролировать этот процесс. Сейчас они уже сами выбирают, какой из методов они применят
в треке, потому что они понимают, что и где работает лучше.

Выбор метода зависит от стилистики, желаемого результата, уровня плотности. Их всего, условно, четыре. Есть разные нюансы, для понимания я показываю много разных примеров. Живая музыка, хип–хоп, дабстеп — все они обладают разным наполнением и уровнем плотности.
— Какие есть основные критерии успеха молодого артиста/композитора?

— Должен быть конкурентный продукт, классный и запоминающийся. Умение коммуницировать — еще одно важное конкурентное преимущество. Если писать «в стол» и никому не показывать, никто об этом не узнает. Можно сколько угодно выкладывать на разные музыкальные площадки — это утонет в бездне композиций, которые выходят каждый день. Для того, чтобы продвинуться, нужно уметь коммуницировать.
— Насколько реально выпустить свою композицию на зарубежном лейбле?

— Выпустить свою музыку на лейбле, русском или зарубежном, более чем реально. Должна быть хорошая и интересная идея, качественно звучащая музыка. Нужно уметь общаться с лейблами. Обо всем мы рассказываем в Институте.

Еще важно помнить, что не надо сразу писать топовым лейблам, нужно начинать
с небольших и постепенно увеличивать обороты. Я свой первый трек выпустил
на каком–то супермаленьком лейбле. Потом наращивается скилл, опыт, ты слышишь отзывы, и как твоя музыка играет где–то. Это такой процесс: что–то делаешь, получаешь фидбэк и снова, снова поднимаешься по спирали выше. Всё состоит из маленьких простых шагов.
— Какие опасности могут подстерегать студентов во время учебы?

— Для студентов главная опасность — невыполнение домашнего задания и недостаточное количество часов самостоятельной работы. Мы даем огромные объемы знаний, но их нужно постоянно применять. От этого накапливается опыт. Все знают фразу: «Нужно потратить 10 тысяч часов, чтобы стать профессионалом». Нужно быть готовым к тому, чтобы тратить на полученный навык много времени. Обучение обучением, а собственная практика должна быть.
— Что могут делать после твоего курса выпускники?

— Начнем с того, что после окончания курса студенты начинают писать музыку. Даже те, у кого до обучения не было опыта работы в этой сфере. У студентов открыты все двери, они могут писать музыку для рекламы, кино, как ghost–продюсер, для стоков, для себя. Можно просто писать музыку и не выпускать. Я знаю людей, которые работают юристами и ради своего удовольствия пишут музыку. Возможностей много и каждый может выбрать то, что по душе.
— Ты также учишь студентов монтировать видео. Для чего это?

— Любому представителю творческой индустрии нужно портфолио. Музыканты не исключение. Если студент может скомпоновать свои работы, наложить какой–то видеоряд, сделать цветокоррекцию, смонтировать и оформить самодостаточное видео, то это всегда выгодно отличит среди конкурентов. Кстати, не стоит забывать про наличие сайта–визитки, которую сейчас можно сделать на разных платформах.
— Что бы ты пожелал будущим студентам?

— Я бы хотел, чтобы студенты понимали, что они хотят учиться и у них будет время для того, чтобы этим заниматься. Самое главное — желание.